Clase 15
Ejercicio Nº15: COMPOSICIÓN: OBRAS SIN FIGURAS
Buenos Días a todos!!!
Continuamos con el tema composicion...
Existen muchas otras posibilidades en la creación de una obra, donde no existe una clara diferencia entre figura y fondo. Vamos a ir explorando estas posibilidades.
la primera sera un tipo de composición que carece de una figura y sera de aspecto abstracto.
La propuesta es inspirarse en los artistas sugeridos del movimiento del expresionismo abstracto... ya que son muy representativos en este tipo de obras. les dejo la teoría y explicación tratada en el zoom y tres secuencias didácticas de como realizar una imagen de expresionismo abstracto, para que les sea mas sencillo llegar a ese resultado.
Espero que lo disfruten...
Nos encontramos luego del receso.
Existen muchas otras posibilidades en la creación de una
obra, donde no existe una clara diferencia entre figura y fondo.
El primer modo que veremos será un
tipo de composición que carece de una figura, son obras en las que la imagen va
a ser de aspecto abstracto, es decir
una imagen indefinida, que no tiene un significado, ya que son creadas para
provocar sensaciones y emociones en lugar de ideas. Un movimiento pictórico
representativo de este tipo de obras es el "expresionismo abstracto".
Expresionismo Abstracto
1943–1965
El expresionismo abstracto viene a
continuación y se considera el primer movimiento genuinamente estadounidense
Estados Unidos (Nueva York en realidad) había sustituido a París
como capital artística y los expresionistas abstractos cogieron el testigo de
la vanguardia. El país, líder ahora del mundo libre, necesitaba un arte propio
que liderara el arte occidental. Y qué mejor que un arte individual cuya
principal característica es la libertad.
Jackson Pollock
Grandes lienzos abstractos de vivo colorido, sin composición de ningún tipo, donde los trazos se entrelazan hasta
formar una maraña densa y compacta que se iba creando de forma automática (esto lo relacionó con
el surrealismo).
Los críticos americanos, deseosos de un arte puramente
estadounidense empezaron a apoyar este nuevo estilo, como Harold Rosenberg, su
nombre, asociado a las obras realizadas con la técnica del dripping,
se convirtió en uno de los más significativos del expresionismo abstracto y de
la action painting, tendencia de la que, con Willem de Kooning, es el representante más
típico y destacado. Fue además uno de los primeros artistas en eliminar de sus
obras el concepto de composición y en mezclar signos caligráficos con los
trazos pictóricos.
Pollock luchó toda su vida
contra el alcoholismo, que
le provocó no pocas desgracias. La última de ellas, el accidente
automovilístico que acabó con su vida a los 44 años, cuando ya era una leyenda
en vida y los jóvenes artistas americanos lo tenían como una figura casi
mítica. 
Willem de Kooning
(Rotterdam, 1904 - East Hampton, 1997) Pintor estadounidense de origen holandés, considerado como uno de los máximos representantes de la Escuela de Nueva York o Expresionismo Abstracto. Llegó a los Estados Unidos en 1926, donde pudo dedicarse a la pintura cuando fue contratado para decorar obras estatales, dentro del Federal Art Proyect, durante la década de los treinta. En sus primeras obras personales trata de solucionar el problema de conservar la figuración sin que la bidimensionalidad del lienzo quede enmascarada. Mujer sentada (1940) muestra la resolución del problema en una perfecta síntesis de cubismo sintético y fauvismo; la figura y su entorno forman una unidad de grandes planos articulados cromáticamente mientras que, a las manchas de color, Kooning yuxtapone enérgicos trazos negros que preludian lo que finalmente será lo más característico de su producción: un entramado de líneas de poderosa vitalidad dominando la totalidad de la superficie plástica.
Kooning no llegó a su estilo personal hasta haber experimentado
con el automatismo, que le ayudó a transformar la línea en brochazos enérgicos;
éstos se multiplican como una fuerza torrencial por todo el lienzo a partir de
1947, pero no abandonan nunca las referencias cubistas presentes en formas que
se entretejen en una arquitectura que articula figura y fondo sobre un lienzo
que, en ocasiones, muestra su blancura original, enfatizando el carácter brutal
de las líneas y tachaduras gestuales.
Toda la obra de Kooning está presidida por el
deseo de lograr una interacción entre espacio y materia, entre la ilusión
representativa y la cualidad plana de la pintura, a la vez que es una lucha
continua para lograr un equilibrio entre el protagonismo expresivo del dibujo y
la inmediatez emotiva del color. El dinamismo de las composiciones transmite la
energía del gesto del artista.
Joan Mitchell
(1925–1992) fue una artista estadounidense
cuya carrera abarcó más de cuatro décadas, desde su primera exposición
individual profesional en 1950 hasta su muerte en 1992. Más conocida por sus
grandes y abstractos óleos sobre lienzo, Mitchell también creó pinturas más
pequeñas, así como un extenso cuerpo de trabajos en papel y grabados.
Mitchell es reconocida como una figura principal, y una de las
pocas artistas femeninas, en la segunda generación de expresionistas abstractos estadounidenses. A
principios de la década de 1950, era considerada una artista destacada en
la Escuela de Nueva York . En sus primeros
años como pintora, fue influenciada por Paul Cézanne , Wassily Kandinsky , Claude Monet , Vincent van Gogh , y más tarde por el
trabajo de Franz Kline y Willem de Kooning , Jean-Paul
Riopelle ,
entre otros.
Joan Mitchell nació en Chicago el 12 de febrero de 1925. Después
de graduarse de la Escuela del Instituto de Arte de Chicago en 1947, fue
galardonada con la Beca de Viaje Extranjero James Nelson Raymond, que la llevó
a Francia durante un año en 1948–49, y fue allí donde sus pinturas avanzaron
hacia la abstracción. Al regresar a Nueva York, participó en el famoso
"9th Street Show" en 1951, y pronto estableció una reputación como
uno de los pintores expresionistas abstractos estadounidenses más
jóvenes. Ella exhibió regularmente en Nueva York durante las siguientes
cuatro décadas y mantuvo una estrecha amistad con muchos pintores y poetas de
la escuela de Nueva York.
Durante los casi 50 años de su vida pictórica. Como el
expresionismo abstracto fue eclipsado por estilos sucesivos, el compromiso de
Mitchell con los principios de la abstracción gestual se mantuvo firme e
intransigente. Resumiendo su logro, Klaus Kertess escribió: “Ella
transformó la pintura gestual del expresionismo abstracto en un vocabulario tan
completamente propio que podría convertirse en nuestro también. Y su total
absorción de las lecciones de Matisse y van Gogh la condujo a un dominio del color
inseparable del movimiento de la luz y la pintura. Su capacidad para
reflejar el flujo de su conciencia en la naturaleza y en la pintura es casi
incomparable
Sus pinturas son
expansivas, a menudo cubren múltiples paneles. El paisaje fue la principal
influencia en su tema. Pintó sobre lienzo no imprimado o sobre un fondo
blanco con pinceladas gestuales, a veces violentas. Ella ha descrito una
pintura como "un organismo que gira en el espacio.
Mitchell
brindó apoyo personal a muchos artistas jóvenes que vinieron a quedarse con
ella en Vétheuil, a veces solo por una noche; a veces durante todo un
verano. La correspondencia en sus documentos revela que esta generosidad a
menudo tuvo un impacto que cambió la vida de aquellos que pasaron tiempo con
ella. Mitchell murió en París el 30 de octubre de 1992. Su generosidad en
su propia vida continuó después de su muerte con la formación de la Fundación
Joan Mitchell, solicitada en su testamento para crear apoyo y reconocimiento
para artistas individuales. Además, la misión de la Fundación incluye la
promoción y preservación de su legado, que incluye su notable cuerpo de
trabajo, sus documentos, incluyendo correspondencia y fotografías, y otros
materiales de archivo relacionados con su vida y su trabajo.
La propuesta para el Trabajo de Composición, Obra sin figura.
Se debe
realizar con pinturas: acrílicos o témperas. A las pinturas deberán agregarte
una porción de agua para alivianar su cremosidad, aunque no debe ser excesiva,
la consistencia de la pintura sintética… aquella que se utiliza para pintar
puertas o ventanas…
Les dejo tres
secuencias de cómo realizarlo… elijan una que les guste.
Ejemplo 1
1- Cubro la mesa con papel de diario. Pintamos
el plano con un color preferentemente claro con una pintura aguada y dejamos
secar.
2- Vamos a necesitar vasitos y varios
colores de pintura a los que también mezclaremos con agua para ablandarlos.
Tienen que poder gotear, pero la gota no debe desparramarse. Y con un pincel
gordito, vamos a crear gotas y sacudirlo en diferentes direcciones sobre el
plano para crear manchas. Un color por vez.
43 3- Los colores se mezclaran en ciertas zonas…
cuando me gusta el resultado lo dejo secar en el lugar. Traten de no
trasladarlo para que la imagen no se deforme
Ejemplo 2
1- 1- Cubro la mesa con papel de diario.
Coloco cinta debajo de la hoja que voy a utilizar y la adhiero al papel de
diario. Mezclo cola blanca (tipo plasticola) con agua en partes iguales, la
vuelco sobre el plano y la disperso hasta cubrirlo. Eso creara una base acuosa
pero espesa donde luego voy a trabajar.
2- Una vez pintado todo con esta mezcla,
tomaremos los colores que ablandamos previamente con agua y los iremos volcando
en manchas sobre el plano… pintado previamente con cola blanca ablandada. Lo
hacemos con los colores elegidos…
3- Una vez que el plano está manchado le arrojaremos
aire con un secador de cabello… hasta lograr que la pintura se disperse por
todo el plano y se mezcle. Luego lo dejamos secar…
4- Una vez seco, tomaremos pintura
blanca ligeramente ablandada (bastante espesa) con un pincel gordito y la
arrojaremos sobre el plano provocando manchas de velocidad y goteo en
diferentes direcciones.
5- Cuando nos guste el resultado lo dejamos secar
Ejemplo 3
1- 1- Cubro la mesa con papel de diario. Mezclo
cola blanca (tipo plasticola) con agua en partes iguales la vuelco sobre el
plano y la disperso hasta cubrirlo. Eso creara una base acuosa pero espesa
donde luego voy a trabajar.
2- Una
vez pintado todo con esta mezcla, tomaremos los colores que ablandamos
previamente con agua y los iremos volcando sobre los bordes del plano… pintado
con cola blanca ablandada. Y luego levantaremos la hoja para que la pintura
caiga y haga manchas por gravedad
3- Cuando termino con un lado elijo otro
color y hago lo mismo con el siguiente…
5- Una vez seco tomaremos pintura negra
ablandada con agua y rellenaremos los
espacios en
2- blanco… cuando terminamos lo dejamos
secar.
Ejercicio Nº15: COMPOSICIÓN: OBRAS SIN FIGURAS
Buenos Días a todos!!!
Continuamos con el tema composicion...
Existen muchas otras posibilidades en la creación de una obra, donde no existe una clara diferencia entre figura y fondo. Vamos a ir explorando estas posibilidades.
la primera sera un tipo de composición que carece de una figura y sera de aspecto abstracto.
La propuesta es inspirarse en los artistas sugeridos del movimiento del expresionismo abstracto... ya que son muy representativos en este tipo de obras. les dejo la teoría y explicación tratada en el zoom y tres secuencias didácticas de como realizar una imagen de expresionismo abstracto, para que les sea mas sencillo llegar a ese resultado.
Espero que lo disfruten...
Nos encontramos luego del receso.
Existen muchas otras posibilidades en la creación de una
obra, donde no existe una clara diferencia entre figura y fondo.
El primer modo que veremos será un
tipo de composición que carece de una figura, son obras en las que la imagen va
a ser de aspecto abstracto, es decir
una imagen indefinida, que no tiene un significado, ya que son creadas para
provocar sensaciones y emociones en lugar de ideas. Un movimiento pictórico
representativo de este tipo de obras es el "expresionismo abstracto".
Expresionismo Abstracto
1943–1965
El expresionismo abstracto fue ese movimiento
pictórico dentro de la abstracción posterior a la Segunda Guerra Mundial y el
Holocausto. Tras estos terribles acontecimientos siguió un periodo de
lógica incertidumbre y de cuestionamiento de la moral humana.
Esto da como resultado la proliferación de obras de arte que
incluían formas de creación desgarradas, en las que quedaba a
un lado el goce estético tal y como se entendía hasta entonces. Un desencanto por
lo colectivo dio como resultado obras muy personales. A este movimiento lo
llamaron expresionismo… sus obras mostraban un gran impacto emocional.
El expresionismo abstracto viene a
continuación y se considera el primer movimiento genuinamente estadounidense
Estados Unidos (Nueva York en realidad) había sustituido a París
como capital artística y los expresionistas abstractos cogieron el testigo de
la vanguardia. El país, líder ahora del mundo libre, necesitaba un arte propio
que liderara el arte occidental. Y qué mejor que un arte individual cuya
principal característica es la libertad.
Los expresionistas abstractos fueron unos artistas fascinados
por la soledad y el proceso. Individualistas, decidieron
mostrar el carácter expresivo del arte investigando en búsquedas personales,
más que colectivas. El artista desalentado por su contexto político y social se
refugia ahora en su interior y abandona toda referencia externa. Se valora por
tanto el gesto, una especie de huella dactilar del artista,
porque es algo único de cada uno.
Se potencia también la materialidad del cuadro y
convierten el proceso artístico casi en un rito religioso, siendo
la pintura la prueba documental del mismo.
La improvisación formaba
parte de este trance casi místico, en el que el artista entraba en contacto
directo con sí mismo. Este automatismo podría derivar
del surrealismo, que aún estaba vivo en
esos años.
VAMOS A VER 3 REPRESENTANTES
Jackson Pollock
No sabía dibujar pero amaba el arte y quería ante todo ser
artista. Los demás estudiantes se reían de él, pero el pintor no se dio por
vencido. Sabía que tenía algo que
decir en pintura.
Y efectivamente, lo que al final consiguió fue nada menos que crear el primer estilo 100% estadounidense: lo
que se conoce como expresionismo abstracto.
Pintor estadounidense. Durante su infancia y su adolescencia
vivió en Arizona y California, y en 1929 se trasladó a Nueva York para estudiar
pintura con Benton en el Art Students League. Durante su período de formación
conoció la pintura de los muralistas mexicanos (Rivera, Siqueiros, Orozco), que
le impresionó hondamente.
Comenzó su carrera con obras figurativas, en las que presta ya
particular atención a los valores matéricos y el cromatismo.
Hacia 1938 empezó a interesarse por la pintura abstracta e
irracional, y para las obras de este período buscó inspiración en el mundo de
los indios americanos Ya en aquel entonces, este extraordinario genio de
la pintura tenía problemas con el abuso del
alcohol, sustancia
que utilizaba para aliviar lo que parecían síntomas de algún trastorno
psicológico mayor. Algunos dicen que padecía un trastorno bipolar no
diagnosticado en ese momento otros que era maniaco depresivo… En su afán por
combatir el alcoholismo, Pollock se sometió a psicoterapia junguiana y el
Dr. Henderson, le animó a expresarse a través de su arte.
En 1947 algo cambió. La
leyenda habla de accidentes (bote de pintura derramado en el lienzo,
salpicaduras….). Sea como sea Pollock
«creó» el llamado dripping: en la que se
unían varios elementos como la fuerza de gravedad, el movimiento de su cuerpo,
la sutil consistencia de la pintura y el lienzo tumbado en el suelo. Esta
técnica revolucionó el mundo del arte y la manera de pintar. En lugar de
utilizar caballete y pinceles, colocaba en el suelo el lienzo y sobre él vertía
o dejaba gotear la pintura, que manipulaba después con palos u otras
herramientas, e incluso a veces le daba una gran consistencia mediante la
adición de arena o fragmentos de vidrio.
Grandes lienzos abstractos de vivo colorido, sin composición de ningún tipo, donde los trazos se entrelazan hasta
formar una maraña densa y compacta que se iba creando de forma automática (esto lo relacionó con
el surrealismo).
Los críticos americanos, deseosos de un arte puramente
estadounidense empezaron a apoyar este nuevo estilo, como Harold Rosenberg, su
nombre, asociado a las obras realizadas con la técnica del dripping,
se convirtió en uno de los más significativos del expresionismo abstracto y de
la action painting, tendencia de la que, con Willem de Kooning, es el representante más
típico y destacado. Fue además uno de los primeros artistas en eliminar de sus
obras el concepto de composición y en mezclar signos caligráficos con los
trazos pictóricos.
Willem de Kooning
(Rotterdam, 1904 - East Hampton, 1997) Pintor estadounidense de origen holandés, considerado como uno de los máximos representantes de la Escuela de Nueva York o Expresionismo Abstracto. Llegó a los Estados Unidos en 1926, donde pudo dedicarse a la pintura cuando fue contratado para decorar obras estatales, dentro del Federal Art Proyect, durante la década de los treinta. En sus primeras obras personales trata de solucionar el problema de conservar la figuración sin que la bidimensionalidad del lienzo quede enmascarada. Mujer sentada (1940) muestra la resolución del problema en una perfecta síntesis de cubismo sintético y fauvismo; la figura y su entorno forman una unidad de grandes planos articulados cromáticamente mientras que, a las manchas de color, Kooning yuxtapone enérgicos trazos negros que preludian lo que finalmente será lo más característico de su producción: un entramado de líneas de poderosa vitalidad dominando la totalidad de la superficie plástica.
Kooning no llegó a su estilo personal hasta haber experimentado con el automatismo, que le ayudó a transformar la línea en brochazos enérgicos; éstos se multiplican como una fuerza torrencial por todo el lienzo a partir de 1947, pero no abandonan nunca las referencias cubistas presentes en formas que se entretejen en una arquitectura que articula figura y fondo sobre un lienzo que, en ocasiones, muestra su blancura original, enfatizando el carácter brutal de las líneas y tachaduras gestuales.
Toda la obra de Kooning está presidida por el
deseo de lograr una interacción entre espacio y materia, entre la ilusión
representativa y la cualidad plana de la pintura, a la vez que es una lucha
continua para lograr un equilibrio entre el protagonismo expresivo del dibujo y
la inmediatez emotiva del color. El dinamismo de las composiciones transmite la
energía del gesto del artista.
(1925–1992) fue una artista estadounidense cuya carrera abarcó más de cuatro décadas, desde su primera exposición individual profesional en 1950 hasta su muerte en 1992. Más conocida por sus grandes y abstractos óleos sobre lienzo, Mitchell también creó pinturas más pequeñas, así como un extenso cuerpo de trabajos en papel y grabados.
Joan Mitchell nació en Chicago el 12 de febrero de 1925. Después
de graduarse de la Escuela del Instituto de Arte de Chicago en 1947, fue
galardonada con la Beca de Viaje Extranjero James Nelson Raymond, que la llevó
a Francia durante un año en 1948–49, y fue allí donde sus pinturas avanzaron
hacia la abstracción. Al regresar a Nueva York, participó en el famoso
"9th Street Show" en 1951, y pronto estableció una reputación como
uno de los pintores expresionistas abstractos estadounidenses más
jóvenes. Ella exhibió regularmente en Nueva York durante las siguientes
cuatro décadas y mantuvo una estrecha amistad con muchos pintores y poetas de
la escuela de Nueva York.
Sus pinturas son expansivas, a menudo cubren múltiples paneles. El paisaje fue la principal influencia en su tema. Pintó sobre lienzo no imprimado o sobre un fondo blanco con pinceladas gestuales, a veces violentas. Ella ha descrito una pintura como "un organismo que gira en el espacio.
Mitchell brindó apoyo personal a muchos artistas jóvenes que vinieron a quedarse con ella en Vétheuil, a veces solo por una noche; a veces durante todo un verano. La correspondencia en sus documentos revela que esta generosidad a menudo tuvo un impacto que cambió la vida de aquellos que pasaron tiempo con ella. Mitchell murió en París el 30 de octubre de 1992. Su generosidad en su propia vida continuó después de su muerte con la formación de la Fundación Joan Mitchell, solicitada en su testamento para crear apoyo y reconocimiento para artistas individuales. Además, la misión de la Fundación incluye la promoción y preservación de su legado, que incluye su notable cuerpo de trabajo, sus documentos, incluyendo correspondencia y fotografías, y otros materiales de archivo relacionados con su vida y su trabajo.
Kooning no llegó a su estilo personal hasta haber experimentado con el automatismo, que le ayudó a transformar la línea en brochazos enérgicos; éstos se multiplican como una fuerza torrencial por todo el lienzo a partir de 1947, pero no abandonan nunca las referencias cubistas presentes en formas que se entretejen en una arquitectura que articula figura y fondo sobre un lienzo que, en ocasiones, muestra su blancura original, enfatizando el carácter brutal de las líneas y tachaduras gestuales.
Toda la obra de Kooning está presidida por el
deseo de lograr una interacción entre espacio y materia, entre la ilusión
representativa y la cualidad plana de la pintura, a la vez que es una lucha
continua para lograr un equilibrio entre el protagonismo expresivo del dibujo y
la inmediatez emotiva del color. El dinamismo de las composiciones transmite la
energía del gesto del artista.
Joan Mitchell
(1925–1992) fue una artista estadounidense cuya carrera abarcó más de cuatro décadas, desde su primera exposición individual profesional en 1950 hasta su muerte en 1992. Más conocida por sus grandes y abstractos óleos sobre lienzo, Mitchell también creó pinturas más pequeñas, así como un extenso cuerpo de trabajos en papel y grabados.
Mitchell es reconocida como una figura principal, y una de las
pocas artistas femeninas, en la segunda generación de expresionistas abstractos estadounidenses. A
principios de la década de 1950, era considerada una artista destacada en
la Escuela de Nueva York . En sus primeros
años como pintora, fue influenciada por Paul Cézanne , Wassily Kandinsky , Claude Monet , Vincent van Gogh , y más tarde por el
trabajo de Franz Kline y Willem de Kooning , Jean-Paul
Riopelle ,
entre otros.
Joan Mitchell nació en Chicago el 12 de febrero de 1925. Después
de graduarse de la Escuela del Instituto de Arte de Chicago en 1947, fue
galardonada con la Beca de Viaje Extranjero James Nelson Raymond, que la llevó
a Francia durante un año en 1948–49, y fue allí donde sus pinturas avanzaron
hacia la abstracción. Al regresar a Nueva York, participó en el famoso
"9th Street Show" en 1951, y pronto estableció una reputación como
uno de los pintores expresionistas abstractos estadounidenses más
jóvenes. Ella exhibió regularmente en Nueva York durante las siguientes
cuatro décadas y mantuvo una estrecha amistad con muchos pintores y poetas de
la escuela de Nueva York.
Durante los casi 50 años de su vida pictórica. Como el
expresionismo abstracto fue eclipsado por estilos sucesivos, el compromiso de
Mitchell con los principios de la abstracción gestual se mantuvo firme e
intransigente. Resumiendo su logro, Klaus Kertess escribió: “Ella
transformó la pintura gestual del expresionismo abstracto en un vocabulario tan
completamente propio que podría convertirse en nuestro también. Y su total
absorción de las lecciones de Matisse y van Gogh la condujo a un dominio del color
inseparable del movimiento de la luz y la pintura. Su capacidad para
reflejar el flujo de su conciencia en la naturaleza y en la pintura es casi
incomparable
Sus pinturas son expansivas, a menudo cubren múltiples paneles. El paisaje fue la principal influencia en su tema. Pintó sobre lienzo no imprimado o sobre un fondo blanco con pinceladas gestuales, a veces violentas. Ella ha descrito una pintura como "un organismo que gira en el espacio.
Mitchell brindó apoyo personal a muchos artistas jóvenes que vinieron a quedarse con ella en Vétheuil, a veces solo por una noche; a veces durante todo un verano. La correspondencia en sus documentos revela que esta generosidad a menudo tuvo un impacto que cambió la vida de aquellos que pasaron tiempo con ella. Mitchell murió en París el 30 de octubre de 1992. Su generosidad en su propia vida continuó después de su muerte con la formación de la Fundación Joan Mitchell, solicitada en su testamento para crear apoyo y reconocimiento para artistas individuales. Además, la misión de la Fundación incluye la promoción y preservación de su legado, que incluye su notable cuerpo de trabajo, sus documentos, incluyendo correspondencia y fotografías, y otros materiales de archivo relacionados con su vida y su trabajo.
Se debe
realizar con pinturas: acrílicos o témperas. A las pinturas deberán agregarte
una porción de agua para alivianar su cremosidad, aunque no debe ser excesiva,
la consistencia de la pintura sintética… aquella que se utiliza para pintar
puertas o ventanas…
Les dejo tres
secuencias de cómo realizarlo… elijan una que les guste.
Ejemplo 1
1- Cubro la mesa con papel de diario. Pintamos
el plano con un color preferentemente claro con una pintura aguada y dejamos
secar.
2- Vamos a necesitar vasitos y varios
colores de pintura a los que también mezclaremos con agua para ablandarlos.
Tienen que poder gotear, pero la gota no debe desparramarse. Y con un pincel
gordito, vamos a crear gotas y sacudirlo en diferentes direcciones sobre el
plano para crear manchas. Un color por vez. 
43 3- Los colores se mezclaran en ciertas zonas…
cuando me gusta el resultado lo dejo secar en el lugar. Traten de no
trasladarlo para que la imagen no se deforme
Ejemplo 2
1- 1- Cubro la mesa con papel de diario.
Coloco cinta debajo de la hoja que voy a utilizar y la adhiero al papel de
diario. Mezclo cola blanca (tipo plasticola) con agua en partes iguales, la
vuelco sobre el plano y la disperso hasta cubrirlo. Eso creara una base acuosa
pero espesa donde luego voy a trabajar.
2- Una vez pintado todo con esta mezcla,
tomaremos los colores que ablandamos previamente con agua y los iremos volcando
en manchas sobre el plano… pintado previamente con cola blanca ablandada. Lo
hacemos con los colores elegidos… 
3- Una vez que el plano está manchado le arrojaremos
aire con un secador de cabello… hasta lograr que la pintura se disperse por
todo el plano y se mezcle. Luego lo dejamos secar… 
4- Una vez seco, tomaremos pintura
blanca ligeramente ablandada (bastante espesa) con un pincel gordito y la
arrojaremos sobre el plano provocando manchas de velocidad y goteo en
diferentes direcciones. 
5- Cuando nos guste el resultado lo dejamos secar
1- 1- Cubro la mesa con papel de diario. Mezclo
cola blanca (tipo plasticola) con agua en partes iguales la vuelco sobre el
plano y la disperso hasta cubrirlo. Eso creara una base acuosa pero espesa
donde luego voy a trabajar.
2- Una vez pintado todo con esta mezcla, tomaremos los colores que ablandamos previamente con agua y los iremos volcando sobre los bordes del plano… pintado con cola blanca ablandada. Y luego levantaremos la hoja para que la pintura caiga y haga manchas por gravedad
3- Cuando termino con un lado elijo otro color y hago lo mismo con el siguiente…
5- Una vez seco tomaremos pintura negra
ablandada con agua y rellenaremos los
espacios en
2- blanco… cuando terminamos lo dejamos
secar.
